Tribuna cultural : Disidencia y creación en el Hollywood clásico

Reseña sobre la película “La novia de Frankestein” de Tomás Aguirre, estudiante de Comunicación de la UNGS, una lectura política y estética de un clásico del cine de terror que, en plena consolidación de la censura en Hollywood, convierte a sus monstruos en metáforas de la disidencia, la soledad y el deseo. Entre el expresionismo, el humor negro y una sensibilidad adelantada a su tiempo, la obra de James Whale irrumpe como una defensa radical de las identidades que el orden social intenta expulsar.

Introducción : “To a new world of gods and monsters!” 

Este mes se estrena la nueva adaptación de “The Bride”, interpretación libre del relato de Mary Shalley y como efeméride me parece importante invocar la tradición de esta obra, la historia de “the bride” no es la de el moderno prometeo. La historia de este imaginario en el cine tiene un capítulo aparte.

En 1935 después de un plazo de cuatro años se estrena la secuela de la primer adaptación “mainstream” de la novela de Mary Shelley, el mismo director y posiblemente uno de los creativos audiovisuales más disruptivos de su generación toma el bastón de mariscal para repensar el mundo del moderno prometeo.

La iconografía de Boris Karloff, que triunfó en las taquillas años anteriores, se va a fusionar con una historia mucho más compleja filosóficamente y una composición fotográfica más elegante. Con reminiscencia al expresionismo alemán y al montaje soviético se va a combinar con una subtrama drag. 

Si en la novela de Frankenstein se enmarca dentro del contexto del romanticismo y cuestionaba la corriente neoclásica, James Whale actualizará esa batalla cuestionando mediante la fuerza pasional los valores de la cosmovisión heteronormativa. Los monstruos en esta película parecen metáforas visuales sobre las identidades, pequeñas reinas están encapsuladas en frascos y solo viven pocos días, un ciego que solo puede trabajar en su casa y un monstruo son metáforas de la vida vincular, y el debate que impera en el relato… esas nuevas identidades que deambulan por la vida ¿deben tener una reproducción en la sociedad?Y este será la voluntad de nuestro villano, un personaje que en la novela que se adapta no existe, el Doctor Pretorius , protagonizado por uno de los primeros actores del mundo del cine abiertamente homosexual (al igual que el director). El cual busca representar la máxima representación de la amoralidad, es el demonio en los términos góticos, los monstruos en este caso se ven empujados por las fuerzas del libertinaje. La libertad en este relato representa la tempestad ante el humano. 

Contexto :Entre el exito comercial y la disputa por la libertad creativa

Pongamos un marco histórico a nuestro relato y entendamos los intereses que

 se estaban jugando. En primera instancia, al comenzar la década de los 30 en el cine norteamericano se estaba viviendo en los margenes de la gran depresión, ante la crisis diversos movimientos contraculturales surgieron en el seno del teatro y la comunidad de la bohemia juvenil . Los centros urbanos se veían obras de teatro que cuestionaban el rol de la mujer y la sexualidad, en el cine lo que hoy se conocer como cine “pre código” visibilizaban historias de vida de personajes que no eran los de la familia modelo que décadas posteriores iban a ver en la familia Ingalls, veíamos la violencia domestica, gangster asesinando policias y mujeres que elegían una vida en la prostitución. La iglesia vió todo este quilombo y en un entendimiento que las películas son ante todo propaganda, decidieron establecer un código de pautas narrativas para que los grandes estudios puedan llevar adelante sus películas. La censura se hace norma y tiene el apoyo del gobierno de los Estados UnidosLa sintesis me ayuda para poder contextualizar, en este escenario se encuentra nuestro creativo James Whale, el primer creativo abiertamente homosexual en el hollywood sonoro, el hombre que no tenía miedo de realizar grandes fiestas donde habitaban los disfraces y los vinculos extra matrimoniales y entre los mismos géneros. Su personalidad es digna de estudio para la epoca, se enlistó en el ejercito al igual que la mayoría de su generación , pero su fascinación en el frente de batalla no fue por la defensa de una nación sino por el teatro. En este caso el joven Whale pudo tener sus primeras experiencias como director de teatro en el mismo frente de batalla, mientras todos los soldados contaban bajas enemigas, el tipo alentaba a todos los incapacitados para seguir produciendo obras que representen su experiencia en el frente de batalla. Ese hambre por la representación es lo más importante a considerar dentro de su biografía para entender que la novia de Frankenstein fue la pieza más importante dentro de este ejercicio.

Si la iglesia estaba queriendo tejer el control creativo de la producción audiovisual más importante del mundo, Whale quiso esquivar la censura y al igual que prometeo robar el fuego, robar el fuego de su amigo Carl Lemmble (máximo productor de la RKO) y con eso financiar SU versión definitiva del relato de MARY SHELLEY. Dejando detrás de su producción las huellas de una corriente artística, el naciente cine queer.

Análisis estético y narrativo

Al igual que la novela, el relato comienza con un relato enmarcado, en este caso Mary Shelley da apertura al relato. En una cena, luego de la publicación de su novela , cena con Lord Byron y discuten sobre su más reciente publicación, pero este película toma como novela legítima la película previa. Se retoma el final abierto de su predecesora para que durante la noche nosotros como espectadores nos fundamos ante el verídico relato en los labios de su autora.

Lord Frankenstein descansa luego de su último enfrentamiento con el monstruo, Boris Karloff sigue destruyendo vidas a su paso lento, y un enigmatico doctor pretorius irrumpe en la casa de nuestro protagonista para sacarlo de su letargo y exigir la continuación de sus experimentos. Pretorius también es un científico de las mañas malvadas para formar vida independiente, personajes/ personalidades extravagantes son creadas por su alquimia. Pero en su mirada no hay esperanza, para tener la creatividad de dicha alquimia debió romper toda barrera de moralidad, en sus ojos oscuros solo hay vacío y en su sonrisa solo existe una lujuria permanente. 

Pretorius es la pieza central de la película, no solo por el debate de sus acciones sino por su actor Ernest Thesiger,fiel amigo del director y también abiertamente homosexual y activista en la Liga de los hombres en defensa del voto femenino. Un hombre de la bohemia, androgino, disruptivo y entusiasta en la pelea de los derechos civiles muchas décadas antes de Stonewall. 

Este carismático villano será el comandante del Caos, extorSionará hasta la última de sus piezas para que Victor vuelva a dar vida y lograr que los monstruos se reproduzcan. El nuevo mundo debe ser de dioses y monstruos!

Humor negro, necrofilia, decorados barrocos, reminiscencia al expresionismo alemán mediante su trabajo de cámara y un montaje final que remite al trabajo más de vertov. La maquina intentará dar vida, pero esta nueva vida también tendrá voluntad y también decidirá cual es su libertad. El libre albedrío se impondrá ante el destino de nuestros protagonistas y todo se derrumbará. La tragedia inundará la pantalla en un climax de amplias proporciones. Un guiño a Metrópolis se hará presenta, todo se derrumba.

El tema: “La soledad desespera”

Y hablamos de los hombres que empujan voluntades, Victor y el Dr Pretorius , pero pongamos el foco en la segunda pieza central del relato. El mítico Boris Karloff, la figura icónica que ahogaría la memoria de su director, con su tornillos, con su putrefacción y un Boris que siempre tiene el corazón de todas las audiencias del mundo del horror. Su caminar tosco, sus proporciones y su acento, todo es grotesco. Pero hay algo que guarda en lo más profundo de su ser, inocencia y soledad.

Nuestra bestia no es malvada, intenta vivir en comunidad y lo único que recibe son intentos de linchamientos y rechazo a su figura. En esta película su inocencia se va opacando, porque en este capítulo encontrará la posibilidad de hablar, de poner en simbolos sus intenciones y deseos, negociará, y aceptará su destino con sus propias lagrimas en los ojos. Hay un segmento que gracias a la interpretación de un actor que hace de viejo ciego, encontraremos un segmento que nunca envejecerá, su estructura es clásica del teatro, dos actores uno al lado del otro logran una convivencia , uno es ciego y el otro es un monstruo, hay humor y el monstruo creerá que puede ser feliz, es feliz con su amigo. Pero la sociedad no se limita a su intimidad, la libertad no se limita a una casa , a un vínculo, fuerzas más poderosas irrumpen en la escena y nuevamente la tragedia se hará presente en los destinos de nuestros personajes.

La bestia tiene un máximo enemigo en toda la película, y es el rechazo, es la soledad impuesta por una sociedad que lo discrimina, lo hiere y lo persigue. El perseguir su deseo lo lleva al castigo y al tormento, su rostro a pesar de toda su infraestructura es tierno, es deseoso de ternura y afecto. Añora salir de ostracismo para poder encontrar a alguien, dentro de esta gran bÙsqueda por saciar su destino, se encuentra el rol de nuestro villano ya nombrado. Alguien tentador como Mefisófeles que utilizará la inocencia de nuestra bestia para intentar lograr sus fines, pero al final de la historia el mounstro será quien tome la última decisión.

“Para lamer sin asco las heridas de amor”

  La bestia no es solo una caricatura de una adaptación, es la vida y la obra de James Whale, es difícil considerar a esta pieza de género del muy naciente género de terror como una pieza de autor. Pero James se suicidó en la piscina de su casa, había sufrido una enfermedad cardiaca luego de inhalar humo en un incendio, hay dos incendios en las películos de su creación, y al despertarse se dió cuenta que la depresión que había acarreado durante años se hizo más onda cuando tomo consciencia nuevamente de su soledad.

Ya se encontraba alejado de todas las producciones que le encantaba realizar, los grandes gigantes que financiaban sus obras ya habían muerto y solo contaba con el deseo de seguir contando historias pero al igual que el fuego se fue apagando con el tiempo. Encerrado y lidiando con problemas de salud a sus 67 años.El escribió

A TODOS LOS QUE AMO,

No te aflijas por mí. Tengo los nervios destrozados y durante el último año he sufrido agonía día y noche, excepto cuando duermo con pastillas para dormir, y la paz que tengo durante el día es cuando estoy drogado con pastillas.

He tenido una vida maravillosa, pero se acabó, y mis nervios empeoran y temo que tengan que alejarme. Así que, por favor, perdónenme, a todos los que amo y que Dios me perdone también, pero no soporto la agonía y es lo mejor para todos así.

El futuro es solo vejez, enfermedad y dolor. Adiós y gracias por todo tu amor. Necesito paz y este es el único camino.

Si llegan a ver la película, lean esta carta y combinenlo con el final del filme, el miedo de Whale siempre estuvo ahí (también recomiendo ver si les gustó esta pieza , “Old Dark House” que fue su experimento inicial como una obra menor pero con una de las primeras escenas homoeróticas de la historia). Algunas piezas de su vida aparecen como visiones de sus propias obras.Reflexiones finales

Hay dos debates que se pueden realizar en una relectura de esta obra en el siglo xxi , en primer lugar la relación entre el arte y las empresas. Hay un debate que sigue abierto desde que Jacques Rancière haya postulado que en la industria actual el cine muere como fábula, como piezas ya desarrolladas para ser vistas y ya planificando sus audiencias no pueden lograr que las audiencias desarrollen nuevos pensamientos. Es un debate abierto con una corriente purista y un tanto pesimista de la producción cultural humana, hoy las empresas de cine se fusionan como paramount y Warner y se convierten en gigantes absolutos de la venta de merchandising, netflix y disney compiten en el mismo mercado, y las nuevas estrellas nacientes hacen todo su esfuerzo para ser sus empleados del mes. Ejemplo de esto son figuras como Ari Aster, Alex Garland, Greta Gerwid , Damian Szifron y un gran etcetera. NO NIEGO SUS AMPLIAS CAPACIDADES CREATIVAS.

Desarrollo un poco más, Whale es parte de un movimiento cultural naciente a mediados del siglo xx, un movimiento que formaba parte de una generación que fue a la guerra y vio a su país en crisis en medio de la gran depresión, un movimiento que se agrupó en los centros urbanos y que se rodeaba del teatro y del jazz. Su activismo se enmarcó en su arte, hoy en día este debate es el que está abierto en el mundo del cine y sobre todo en la bohemia del siglo xxi. Que capacidad tienen de representar los movimientos culturales que salen en el mundo. No other land es una cara de esta época, en donde los nuevos medios de comunicación lograron que se pueda registrar y enaltecer el movimiento pro palestina. I Saw the tv glow , es lo mismo dentro del debate por las leyes de identidad de género, y los nuevos relatos de la identidad, Les miserables (2017) y Athena toma la bandera de las recientes luchas en Francia y nos invita a la acción. Son solo ejemplos

Una diferencia central es que lo más importante que nace de estos movimientos se expresan por los márgenes de la industria, la novia de frankenstein surgió de su seno, pero no perdamos la fe ante la concentración mediática. Es importante darles visibilidad .

Y por último algo que me parece imprescindible rescatar es el revisionismo histórico, hoy en una época de la información, el algoritmo y el continuo consumo de datos, es importante considerar nuestros roles como “prosumidores” dentro de las diversas redes sociales. La memoria es una cuestión de actividad, hay que volver a posicionar lo que se debe recordar. En un contexto en donde nuestro presidente puede llegar a decir que los homosexuales son pedófilos, en un momento donde el movimiento LGBTQ+ vuelve a ser hostigado por los principales centros de poder, es importante remarcar lo que no debemos olvidar. Y el arte puede cumplir un rol activo dentro de esta pelea de sentidos, el mercado en el cine opera, la figura de Boris Karloff es lo más recordado de una pieza icónica, su vestuario es increíble y es innegable, pero James Whale fue una de las figuras más disruptivas de su época, el dinero de sus obras funde en el olvido a su creador y las clásicas presiones de la historia patriarcal aplasta sus cenizas intentando que lo olvidemos. En un contexto noventero en los marcos de un nuevo posicionamiento de la pelea de la comunidad, una biopic vio la luz y ganó un oscar al mejor guión, pero eso fue todo. 

James dejó una filmografía para revisitar,y en sus mejores obras él se encuentra en el centro , y este texto es un simple aporte para continuar reivindicando su bandera, para que su soledad pueda estar en nuestra memoria. Para hacer que el nuevo mundo que pongamos en pie pueda ser de dioses y monstruos! y como dice El Pato haciendo referencia a lo supuestamente imposible, “en nuestras almas va a dejar de llover”.